Del texto “CANCHA con NIEBLA”

Es de Ricardo Bartís, al que me referí ya .

Un capítulo de este texto, al cuál me referiré, ” La poetización de los roles”, me agrada poder compartirlo con ustedes. Lo resumiré un poco e iré diciendo algunas cosas que me van apareciendo.

Dice que cuando se trabaja sin narraciones que precedan, UNO SE QUEDA SIN MODELO. Hay una construcción en escena. Se modifican las relaciones AUTOR-DIRECTOR-ACTOR.

Si hay texto previo, piensa Bartís, que es el autor el que tiene un lugar de privilegio.Para él, es en el actor donde se va a narrar el acontecimiento más importante teatralmente, el salto que produce es la mayor cantidad de discursos posibles en un desarrollo reducido de tiempo y espacio. Dice que es muy desesperante trabajar así, hay momentos de mucho vacío, un tiempo hasta que ciertas marcas del actor, que son biográficas empiezan a impregnar casi materialmente el trabajo.

Salgo un poco del texto, porque esto que dice es muy fuerte para mí. Y tengo que respirar un poco. Bartís es un director de teatro y productor, tan interesante para mí, es un referente enorme, me agrada sobremanera muchos de sus modos de pensar y sentir el teatro , la vida y la condición humana.

Pero ahora viene algún punto, poquito, pero importante para mí, ya que se trata de mi ser profesional, es decir de mi profesión querida.

Dice que esta biografía no tiene que ver con lo sociólogico, lo psicológico, que es antipoético, la creencia que profundizar es desarrollar psicológicamente los temas del personaje y que esto produce una mayor poética del lenguaje.

Me pregunto, al decir ésto, ¿con quién estará dialogando Bartís?. conmigo seguro que no. Admiro a Bartís, sus obras me parecen de una profundidad enorme, pero en algún punto, como tiene que ser, confrontamos.

Sigue diciendo que lo psicológico es antipoético porque en vez de abrir,cierra y da una respuesta. No acuerdo.

Dice que lo POETICO es una PULSION, que es un FLUJO ASOCIATIVO que multiplica LAS POSIBILIDADES de percepción del que especta. No acuerdo, desde la forma en que he trabajado y con los instrumentos que he utilizado, con esto que dice. Error.

¿Porqué?primero, está utilizando ya una palabra que proviene de Freud, que es PULSION, ¿ porque lo hace? Luego de flujo asociativo, está en toda la obra enorme de don Freud, el tema de las asociaciones, que son básicas en su teoría, creo que nadie habló más de flujo de asociaciones que él. Y respecto a que multiplican las posibilidades de percepción, que sería el sueño sino? El sueño es una multiplicación de posibilidades de percepciones, que en un proceso posterior, de ELABORACION SECUNDARIA, o sea después de todas estas percepciones , impresiones e imágenes que contiene primariamente un sueño, vienen las palabras que crea cada individuo.Es verdad que el psicoanálisis profundiza, pero porque tenemos que desmerecerlo por eso, es una manera de profundizar, un lenguaje y el teatro de Bartís tiene su propio lenguaje, pero ambos son profundos y diferentes y necesarios en sus diferencias. Ni mejor ni peor uno que otro. DIFERENTES MODOS. Y dentro de cada método psicológico hay diferentes modelos, muchísimos, totalmente diferentes, tal vez todos los caminos lleven a Roma, o no. La obra de Bartís lleva por un camino a Roma y la obra de cada forma de psicología lleva a Roma de otra manera.Mi manera de hacer el trabajo terapéutico, jamas cerró ni dio respuestas. Las respuestas las construye el paciente, el actor de esta obra que supone un tratamiento. En su teatro Bartís pone el acento en los actores. En nuestro teatro terapéutico, el que yo seguí, no respondo por otros, el acento puesto en las vivencias del vínculo entre ambos personajes que interactúan en ese acontecimiento que se produce en una sesión, que es atemporal e irrepetible y mediado por las asociaciones LIBRES, ABIERTAS que es justamente el SENTIDO que tiene. Y van circulando con libertad hasta que en algún momento ese fluido asociativo produce un corte y se hace la metáfora y viene el cambio. pero luego continúa el flujo de asociaciones, pero ya buscando otra cosa. CAMBIO se llama. RUPTURA Y TRANSFORMACION. Momento fundante en el acontecer de una sesión de terapia. En mi experiencia, Bartís, encuentro que pasa mucho de lo que vos escribís en “Cancha con Niebla”, más allá de esta divergencia, que tiene que ver tal vez con el desconocimiento que existe respecto a la diversidad enorme de formas de hacer terapia que existen. Ni yo muchas veces comprendo a otras, me imagino el que no pertenece a este campo. Más allá, recomiendo este texto de Bartís que lo he leído muchas veces y siempre encuentro que adquiero mayor acercamiento y profundizo más en sus concepciones , vivencias y experiencias.

Película: “Blue Jazmine” de Woody Allen

Me pregunto: ¿ pasa en todas partes del mundo, que predomina esta forma ambigua de conducirse por la vida? O es propio de algunos mundos y de otros no?

Woody Allen representa, a través de su cine, de sus formas de ver la vida, de experimentar las conductas humanas: una manera de mirar. O hay algo de eso que transmite que es propio de la naturaleza del ser actual, de la condición post moderna humana, en su mayoría o en su totalidad?

Para mi forma de vivenciar, en esta película, les diré, que lo primero que sentí es cierto enojo. si me pregunto que sentido tiene el enojarme: lo primero que me salió fue, otra vez con lo mismo, lo que veo permanentemente en mi país, pero en los seres de carne y hueso, no en la ficción. Aunque ya no se si no hay más ficción en la vida de todos los días en la que actuamos que en los textos, el cine, el teatro…Eso es una parte de mi enojo, que ya es difícil distinguir donde está la ficción y si todo es un gran simulacro en estos tiempos. a mi , les digo que me cuesta bastante encontrarme con lo menos simulado o lo menos ambiguo posible.

Entonces, veo la película y digo, Uy! esto es lo de todos los días, es lo que veo siempre y me tiene harta, las miserias humanas… Lo cool, las apariencias, los simulacros y lo otro, que es lo contrario, la incertidumbre, el sentimiento de inseguridad frente al poder, la idealización, la ambición de poder, etc, pero que finalmente se unen, todo juntadito en la misma persona. Dos partes en una, ¿cuál es el sentimiento de identidad que propone Woody Allen?

No me queda clara la propuesta de este autor, o tal vez sí y provoca mi enojo y rechazo.Son ambas actitudes en el ser humano, intercambiables, podemos ser uno en un momento, al tiempo ser el otro. Somos seres intercambiables. Nada permanece, parece. Digo ¿ sólo los mitos son inamovibles, no cambian, son estables, atemporales, como aprendo con Ierardo, mi referente en filosofía y artes comparadas. pero en esto pongo de mi parte psicológica.

Lo que encuentro en Woody Allen es que insiste siempre en mostrar las miserias del ser humano, es su punto preferido, de distintas formas.  Me parece genial, pero llega un momento en que ya me cansa, porque ya no me permite distinguir entre la ficción y la realidad, si es que es real la realidad.

¿Que les parece: toda la vida es una ficción, no hay otra cosa en la condición humana, estamos destinados a ser un simulacro permanente? ¿ o un personaje actuando entre todos los personajes, en este gran teatro del mundo???

Para Borges, en su poema “El Golem”, hago una interpretación propia, que puede ser un delirio mío. pero parece que somos creados por seres superiores,empezando por Dios, según el poema. El rabí que crea al golem, buscaba saber lo que Dios sabe y así, entre permutaciones creó un simulacro que no sabía ni barrer la sinagoga, y se pregunta finalmente para que lo creó, para dejar inactiva la cordura, otra vez más en este mundo… pero al rabí también lo creo alguién y ese alguien parece que lo mira,pero resulta que a ese Dios también lo creó un otro, con las condiciones de poder crear. Todos tenemos condiciones para crear, porque creamos la vida humana, en principio, o fuimos creados por algún CREADOR. ¿ Pero donde quedó la cordura?, es LA PREGUNTA , me parece , en este poema.

Y que dirá el GRAN CREADOR, no se quien será, de todo lo que ve desde arriba,  tantos simulacros, según Borges.

Y esta película , para mi manera de entenderla, que es una entre miles, plantea mucho de ésto y como siempre es una pregunta que ronda en mi ser, a veces me cansa verla otra vez, como tanta repetición de lo mismo.

Será la eterna repetición la forma de modificar la realidad?

A mi modo de entender hoy con un poco más de experiencia en la vida,falta algo importantísimo en la película, que seguro sería otra película, no la de Woody Allen , seguramente será mi propia película, digámoslo de esta forma. Necesito la DIFERENCIA. SIN LAS DIFERENCIAS no tiene SENTIDO. Estaré equivocada o no. pero mi sentimiento es ése, mis vivencias y experiencias, también.

El Teatro de Ricardo Bartís.

Es un director de teatro, productor y tiene su propio teatro “Sportivo Teatral”que comienza a dirigir en 1986.

Tiene un texto llamado “Cancha con Niebla” y quiero tomar sólo un fragmento donde habla de una sociedad que se encuentra resignada, sin ánimo de rebelarse contra lo preestablecido….. Una sociedad inmutable como la muerte…. y finalmente a lo que deseo arribar es a una obra que está en este texto suyo, que se llama “El pecado que no se puede nombrar”: es el de haber perdido los sueños, dice.

Me interesó, para este momento, pensar en este título de su obra . EL PECADO QUE NO SE PUEDE NOMBRAR.

Si nos ponemos a investigar cada uno, en uno mismo cual es el pecado que no se puede nombrar, ¿que responderían?

Bartís dio su respuesta. Me quedo pensando, no en pecado, sino en aquello que no se puede nombrar, lo innombrable y será diferente el sentimiento en cada uno , porque no lo puedo pensar, me parece que es del orden de las sensaciones, de la imaginación, o de la emoción….

¿ que les parece?

De verdades, ficciones, reestructuraciones y cambios

¿qué me contestarían acerca de un analista que dice que” la verdad tiene la forma de una ficción”.

En un texto de Zizek, un filósofo y especialista en Arte , cuenta que cuando en una película lo sorprenden a Groucho mintiendo, éste contesta ¿ a qué le vas a creer, a lo que ven tus ojos o a mis palabras?.” la máscara social es más importante que la realidad directa del individuo.”

Paul Watzlawick tiene un libro que se llama: ¿ Es real la realidad?

Respecto a la primera frase, que utiliza verdad y ficción en un mismo plano, se puede hablar del amplio campo de ambiguedades , de los juegos de palabras y de las insinuaciones que existen.

Da un ejemplo, este autor Watzlawick: “se obedece, pero no se cumple.”, son dos verbos que significan lo mismo. No se quiere desobedecer, pero no se cumple la orden. ¿ qué sentido tiene afirmar que se hace lo uno, pero no lo otro?

“Nunca nos enfrentamos con la realidad en sí, sino sólo con imágenes o concepciones de la realidad, es decir con interpretaciones. El número de posibles  interpretaciones para cada caso.”

Cuando la alternativa es una sóla solución posible o razonable, aquí es donde entra en función la reestructuración, abre la posibilidad de dar otro sentido, que tenga que ver con una concepción del mundo y que se tiene que expresar en un lenguaje apropiado a esa concepción. Esto no es descubrir nada oculto,  ni descubre ninguna verdad simbólica o extraña.

La reestructuración recorre el camino en sentido contrario. Se ponen alternativas y pares de contraposiciones de un orden superador.

Una forma de reestructurar una relación entre una madre y un hijo, dice este autor, es el tema  relativo a que una de las misiones más importantes de una madre: es preparar del mejor modo posible a su hijo para la vida, que consiste en lograr que el hijo supere con éxito la etapa de desprendimiento del hogar paterno y que este desprendimiento tiene tan decisiva importancia para el desarrollo de la confianza de un hombre en sí mismo y para su capacidad de enfrentamiento con los futuros problemas de la vida, que la madre no debe intentar facilitársela en en exceso bajo ninguna circunstancia. eso equivale a privarlo de un triunfo decisivo para él.

Dejar que el joven se enfrente por sí mismo con sus dificultades y no debe intentar atraerlo de nuevo a casa Poner el mayor énfasis en la separación de su hijo. sólo cuando él haya aprendido a resistir estas seducciones podrá enfrentarse con alguna seguridad a las futuras dificultades dela vida. De esta forma se reestructura de raíz la situación entre madre e hijo.

Tema muy importante, pero difícil, no?

Novísima Dramaturgia Argentina

Mañana continúa la presentación de estas obras de los jóvenes que incursionan en el teatro, desde 23 años hasta 32.

Ya he visto la primera ” Pollerapantalón”.Vvi en esta obra una relación entre dos hermanos, bastante pintoresca y peculiar. una madre que está, pero que no aparece y parece que la hermana la tiene encerrada en su cuarto, sin dejar que el hermano la pueda ver. ¿ que tipo de relación se plantea entre estos dos hermanos? Justamente esto es lo interesante. Como se están dado los roles. Mucho de lo que ocurre está muy bien trasladado a los cuerpos, con un trabajo en estos cuerpos muy importante. Ambos actores lo hacen muy bien.

Y uno cree en esta ambiguedad que producen con los personajes. Hay pares de opuestos en los actores, autoritarismo- sometimiento, cambio de roles, mujer. hombre, padres que brillan por su ausencia e hijos que tienen que resolver , como pueden las dificultades de esta vida, especialmente en nuestro país, tan ciclíco. No se como lo resolveran en otros, pero con participar de este, ya tengo bastante para decir.

La eterna problématica fraterna en juego, pero ¿ es la misma a través del paso del tiempo? Y, espero que lo presenten nuevamente, es interesante para interrogarse en estos puntos tan manifiestos y en el tema fraterno, que ya existe desde la Biblia, en los griegos

IV Festival Shakespeare en Buenos Aires.

Se realiza desde el 15 hasta el 22 de febrero del 2014.

Ayer, martes 18/2 , El Centro Cultural de la Cooperación, recibió a uno de los más talentosos artistas argentinos:  Gabriel Chamé Buen Día, para conocer sus vivencias, pensamientos, experiencias de trabajo, y conocer acerca del proceso creativo de su obra Otelo. Esta fue la presentación que realizaron de él en el cuadernillo que entregaban.

Son tres oradores que participaron: Jorge Dubatti, el organizador Patricio Orozco y Gabriel Chamé Buen Dia.

Haré una sintesis, para aquellos que no han podido apreciar esta actividad, a la que Gabriel le puso una magia muy especial y también la gracia y el payaso-clown presente, lo que nos hizo divertir muchisimo. les agradezco enormemente a los que hicieron posible este encuentro, porque este actor vive en París y viene esporádicamente a la Argentina. Tiene la obra Otelo, que seguirá funcionando y encantando a todo aquel que vaya a verla. Yo ya la he visto, pero la recomiendo mucho. Es para todas las edades, ayer decían, desde los 10 en adelante.

Esto es lo que comentó:

Las traducciones de sus obras de Shakespeare las realiza él mismo

Le ocurre que de otra manera se pierden ritmos musicales, chistes. La melodía, el nivel poético, el espíritu y la sangre la ponen ellos. Fue uno de los fundadores de Club del Clan, hizo muchos espectáculos de Shakespeare. Fue integrante durante muchos años del Circo de Soleil. Su interés estuvo siempre en el clown y luego como payaso, la comicidad. El tenía 26 años cuando Gené empieza a influir en él. Le recomienda leer Macbeth. Sobre esta obra, se puede ver en Youtube, dura 10 minutos..En el Club del Clan hicieron la historia del te harto ( teatro). dijo que el hace Shakespeare clownesco. Es un autor universal. Shakespeare propone filosóficamente la apertura al lenguaje, poesía abierta Se puede hacerlo en otros idiomas. se gana en imaginación, dijo. ” Hay un ritmo en su obra, uno tiene que apropiarse del texto en un contacto muy profundo. Considera que a Shakespeare no hay que adaptarlo, que se lo empobrece de esa forma, siempre va a ser mejor lo del autor del texto.

Siempre se refiere a la problemática humana y lo cómico juntos.. El lenguaje pasa por el cuerpo”

” Uno viaja como loco con Shakespeare”. la técnica es la palabra y la acción en los cuerpos, hay un efecto visual. lo emocional se convierte en cuerpo.”

Un aprendizaje importante supone escuchar a Gabriel Chamé Buen Dia.

Y uno sale contento de haberlo escuchado.

Gracias Gabriel por todo tus aportes y por la elección que ha realizado Jorge Dubatti.

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“Sebastián Gordin” y “LA BELLA Y LA BESTIA”, dos de las salas del MAMBA

Sebastian Gordin

Un extraño efecto en el cielo
05/02/14 – 20/04/14

 

La exposición abarca las salas de Planta Baja y del Subsuelo del Museo y se organiza, a grandes rasgos, cronológicamente. Presenta tanto las pinturas tempranas del artista como sus primeros objetos e intenta representar fielmente los diversos momentos trascendentes de su trayectoria, reuniendo obras muy dispersas mayoritariamente en la Argentina, hoy ubicadas en colecciones públicas y privadas de Buenos Aires y el interior del país, como Malba / Fundación Costantini, el Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino + MACRO, de Rosario, y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Asimismo, integran la exposición un conjunto de revistas de colecciones del Brasil y de colecciones argentinas.

La visión de un mundo Los grandes artistas logran traducir en sus trabajos, sin necesidad de grandes explicaciones, su visión del mundo. Tal es el caso de Sebastián Gordín (n. 1969, Buenos Aires), quien creció entre el Italpark y los cines míticos de Buenos Aires, entre la Escuela Nacional de Bellas Artes y las canchas de fútbol. Gordín logra plasmar en sus maquetas, escenas y micromundos escultóricos su fascinante imaginario. El artista, con los años, ha perfeccionado su técnica para revelarse como ingenioso artesano creador de situaciones impensadas a la manera de un mago o del ilusionista.

Sagas medievales, crónicas policiales, cuentos asombrosos se combinan en sus pequeñas escenas teñidas por el misterio y la fantasía.

Estas escenas fantásticas, terroríficas, absurdas, que conviven en muchos casos con ciertas dosis de humor, se nutren de los estilos cultivados por el cine de ciencia ficción, las antiguas revistas populares de crimen y misterio, los films de Jacques Tati y de Pierre Etaix y las historietas.

EN OTRA SALA DEL MUSEO:

León & Cociña – La bella y la bestia
22/01/14 – 06/04/14

León & Cociña – La bella y la bestia

En una de las salas del 1º piso.
Inauguración: miércoles 22 de enero a las 18.30 hs.

Muestra de León & Cociña, la dupla chilena integrada por Cristóbal León (Santiago de Chile, 1980) y Joaquín Cociña (Concepción, Chile, 1980).

Cristóbal León (Santiago de Chile, 1980) y Joaquín Cociña (Concepción, Chile, 1980) filmarán en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires una fracción de su primer largometraje, titulado La Casa Lobo, que narra la historia de una joven alemana que se ve atrapada en una casa y, como señalan los artistas, “cada vez que ella expresa de algún modo su voluntad de irse, el universo físico y temporal de la casa se destruye y vuelve a construirse de una nueva manera”. El Mamba transformará una de sus principales salas en set de filmación de este largo, lo cual permitirá al público seguir las transformaciones de la casa, que irá mutando a medida que la exposición viaja por distintas instituciones artísticas. El Mamba tiene el privilegio de construir el cuarto set del film, siendo el segundo museo que recibe al proyecto luego de su parada en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile. El ambicioso trabajo durará dos años.

En la presente muestra, La bella y la bestia, se presenta el proceso de filmación de La Casa Lobo junto a tres cortometrajes previos de los artistas. Por un lado, Lucía y Luis, sus primeros cortometrajes, que conforman una trilogía junto a La Casa Lobo, y que permitirán al público argentino acercarse al núcleo narrativo de los inicios: la fábula infantil que mezcla lo fantástico con la pesadilla. Por otro lado, Los Andes, uno de sus últimos cortos, presentado en la Bienal de Venecia de 2013, donde las pesadillas se tornan más densas con referencias al nazismo esotérico de raigambre chilena.

León y Cociña trabajan juntos desde 2007. En sus proyectos de animación confluyen el dibujo, la escultura, la literatura y técnicas cinematográficas. Imaginan sus películas como esculturas en movimiento. En ellas se superponen narrativas inspiradas en cuentos de hadas, mitos y religión con el espacio cotidiano y político sudamericano. “Nos interesa hacer películas donde la realidad y las historias son digeridas y re-interpretadas como en un sueño, y vueltas a proyectar en un universo con leyes materiales y temporales propias”, sostienen los artistas.

Podrían ser descriptos como una reencarnación apócrifa de Walt Disney corrompida por el arte contemporáneo y cultivada bajo una deformación estética e ideológica desde Latinoamérica. En su obra encontramos, entonces, fantasía, delirio, pesadilla, erotismo, escape, mutación, sin dejar de estar anclada a cierta historia social y política, tanto reciente como del pasado. En sus últimos films existe una tensión entre la atracción y la expulsión, entre una visualidad pregnante y otra abyecta, en la cual se conjugan la belleza y la bestialidad.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires agradece muy especialmente a la Embajada de Chile en Argentina el apoyo brindado para esta muestra.

GORDIN

Un extraño efecto en el cielo
05/02/14 – 20/04/14
  • Sebastián Gordín

La exposición abarca las salas de Planta Baja y del Subsuelo del Museo y se organiza, a grandes rasgos, cronológicamente. Presenta tanto las pinturas tempranas del artista como sus primeros objetos e intenta representar fielmente los diversos momentos trascendentes de su trayectoria, reuniendo obras muy dispersas mayoritariamente en la Argentina, hoy ubicadas en colecciones públicas y privadas de Buenos Aires y el interior del país, como Malba / Fundación Costantini, el Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino + MACRO, de Rosario, y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Asimismo, integran la exposición un conjunto de revistas de colecciones del Brasil y de colecciones argentinas.

La visión de un mundo Los grandes artistas logran traducir en sus trabajos, sin necesidad de grandes explicaciones, su visión del mundo. Tal es el caso de Sebastián Gordín (n. 1969, Buenos Aires), quien creció entre el Italpark y los cines míticos de Buenos Aires, entre la Escuela Nacional de Bellas Artes y las canchas de fútbol. Gordín logra plasmar en sus maquetas, escenas y micromundos escultóricos su fascinante imaginario. El artista, con los años, ha perfeccionado su técnica para revelarse como ingenioso artesano creador de situaciones impensadas a la manera de un mago o del ilusionista.

Sagas medievales, crónicas policiales, cuentos asombrosos se combinan en sus pequeñas escenas teñidas por el misterio y la fantasía.

Estas escenas fantásticas, terroríficas, absurdas, que conviven en muchos casos con ciertas dosis de humor, se nutren de los estilos cultivados por el cine de ciencia ficción, las antiguas revistas populares de crimen y misterio, los films de Jacques Tati y de Pierre Etaix y las historietas.

León & Cociña – La bella y la bestia

22/01/14 – 06/04/14
  • León & Cociña – La bella y la bestia

En una de las salas del 1º piso.
Inauguración: miércoles 22 de enero a las 18.30 hs.

Muestra de León & Cociña, la dupla chilena integrada por Cristóbal León (Santiago de Chile, 1980) y Joaquín Cociña (Concepción, Chile, 1980).

Cristóbal León (Santiago de Chile, 1980) y Joaquín Cociña (Concepción, Chile, 1980) filmarán en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires una fracción de su primer largometraje, titulado La Casa Lobo, que narra la historia de una joven alemana que se ve atrapada en una casa y, como señalan los artistas, “cada vez que ella expresa de algún modo su voluntad de irse, el universo físico y temporal de la casa se destruye y vuelve a construirse de una nueva manera”. El Mamba transformará una de sus principales salas en set de filmación de este largo, lo cual permitirá al público seguir las transformaciones de la casa, que irá mutando a medida que la exposición viaja por distintas instituciones artísticas. El Mamba tiene el privilegio de construir el cuarto set del film, siendo el segundo museo que recibe al proyecto luego de su parada en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile. El ambicioso trabajo durará dos años.

En la presente muestra, La bella y la bestia, se presenta el proceso de filmación de La Casa Lobo  junto a tres cortometrajes previos de los artistas. Por un lado, Lucía y Luis, sus primeros cortometrajes, que conforman una trilogía junto a La Casa Lobo, y que permitirán al público argentino acercarse al núcleo narrativo de los inicios: la fábula infantil que mezcla lo fantástico con la pesadilla. Por otro lado, Los Andes, uno de sus últimos cortos, presentado en la Bienal de Venecia de 2013, donde las pesadillas se tornan más densas con referencias al nazismo esotérico de raigambre chilena.

León y Cociña trabajan juntos desde 2007. En sus proyectos de animación confluyen el dibujo, la escultura, la literatura y técnicas cinematográficas. Imaginan sus películas como esculturas en movimiento. En ellas se superponen narrativas inspiradas en cuentos de hadas, mitos y religión con el espacio cotidiano y político sudamericano. “Nos interesa hacer películas donde la realidad y las historias son digeridas y re-interpretadas como en un sueño, y vueltas a proyectar en un universo con leyes materiales y temporales propias”, sostienen los artistas.

Podrían ser descriptos como una reencarnación apócrifa de Walt Disney corrompida por el arte contemporáneo y cultivada bajo una deformación estética e ideológica desde Latinoamérica. En su obra encontramos, entonces, fantasía, delirio, pesadilla, erotismo, escape, mutación, sin dejar de estar anclada a cierta historia social y política, tanto reciente como del pasado. En sus últimos films existe una tensión entre la atracción y la expulsión, entre una visualidad pregnante y otra abyecta, en la cual se conjugan la belleza y la bestialidad.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires agradece muy especialmente a la Embajada de Chile en Argentina el apoyo brindado para esta muestra.

“La verdadera historia de María….la Callas”

He podido ver esta obra , ayer, en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco. Programación: teatro de verano 2014. Sede Palacio Noel Osvaldo Tesser presenta ” la verdadera historia de María …la Callas”, sobre la gran vida de la diva de la ópera. Queda para verla, el domingo 23 de febrero, última función. Hay un bono contribución que tiene un costo de $10. La obra es a las 19 hs.,pero es necesario ir con antelación, porque se llena la sala  y se corre el riesgo de no poder ingresar.

Dice el programa…es una mirada tierna sobre su arte y también sobre su vida privada, real o ficticia, donde no fue del todo felíz. Admirada y amada por muchedumbres, es el deseo de Osvaldo Tesser, no defraudarla con este homenaje, aunque sea una ficción.

Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoúlou, conocida como María Callas, fue una soprano griega nacida en 1923 en EEUU.. Es considerada por críticos y público como la cantante de ópera más eminente del siglo XX. Capaz de revivir el ” bel canto” en su corta, pero importante carrera. Fue llamada: ” la Divina” Su nombre está asociado en la memoria colectiva con Aristóteles Onassis, el gran amor de su vida. Murió en París en setiembre de 1977. Esto figura en la programación del Museo.

De lo que pude rescatar de la obra:

” Ella tenía un gran temor respecto a que la olvidaran. Había sido gordita y ante el éxito- era un patito feo que se convirtió en un cisne. Dijo que el público fue el único que no la traicionó, ni sus perros caniches. Lo sintió de esta forma con su marido. Le hablaba a Dios, como su ángel de la guarda, le decía que le parecía estar soñando esto terrible que sentia desde su soledad.

” tengo una pena de una sóla pena, que vale toda la alegría”. Trabajó con Luchino Visconti y con Pasolini, entre sus preferidos. Con este último, vino a un festival en Mar del Plata, porque presentaban. “Medea”.

Esto es una pequeñisima parte del espectáculo que vi. El resto queda por cuenta de ustedes

Una variedad de Museos para ver…

Estos son algunos de los Museos que podemos visitar. Me agrada que hay una diversidad importante en cuanto a temáticas . En esta época que el predominio es de la pluralidad y la diversidad en todas las artes en general.
Para difundir y asistir a estas actividades que nos brinda nuestra ciudad. Siendo el arte un acontecimiento muy especial, no dejemos de disfrutarlo. El arte, y esta es una apreciación particular, nos brinda energías, fuerzas, una potencia que permite modificar en la mayor parte de las ocasiones, nuestro estado anímico. Esto es algo que he comprobado por mi misma.

 

 

 

 

Iremos visitando alguno de ellos, como haremos el próximo sábado 22/2, al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. He transmitido a través del blog, varias veces, acerca de este Museo. Esta vez haremos una visita guiada con grupos que he convocado para esta ocasión. Lo que realizo es gestión cultural, aclaro que me entusiasma muchísimo esta actividad que consiste en mi caso, tratar de estimular en las diversas personas, que deseen incorporarse al proyecto de integrar en sus vidas, las artes en general. Lo hago mediante la formación de grupos, diferenciados por algunas consignas, una de las cuales, por ejemplo, es la de distribuir por edades. Son actividades que se pueden realizar en las casas de los propios integrantes , pueden realizarse en el exterior, como en este caso o en algún lugar que sea apropiado , por ejemplo, para poder apreciar a un músico. Los saluda
 Lic.Hilda Zybert

“Leonardo Favio”

Hoy estuve en la Casa nacional del Bicentenario.

Hay una exposición que se realiza en PB y 1° piso ,dedicada a un referente de nuestro arte y la cultura popular, que se ha destacado en dos de las expresiones artísticas: en cine y en música. Fue un transmisor del espíritu popular, sabía captar los sentimientos, las tristezas y alegrías de la gente.

Un hombre de una enorme sensibilidad.

En una de las paredes de este lugar está escrito. ” cometas como Favio se dejan ver rara vez. Representan lo improbable, el fenómeno de la irrupción de un fuego en medio de la noche eterna. Al mostrar el paisaje da una nueva luz y nos recuerda que en cada cuerpo, en cada objeto y en cada superficie, por ordinarios que parezcan, hay un destello de lo sagrado.

Luego ví:  ” Favio ¿qué más?”, una película sobre su vida, una pequeña reseña.

Dice que nació en un pueblo parecido al de Jesús, Nazareno. Su madre con sus vestidos viejos, le hacía sus pantalones. A su padre no lo conoció, dice que tenía amigos, que era un fumador empedernido, y cuando estaba muriendo lo cuidó una dulce prostituta hasta que llegó su final. Dice Favio:

YO LE CANTO A LA VIDA

COTIDIANA Y SENCILLA

UNA MANERA DE SENTIR Y VIVIR.

Hay un ciclo Favio de cine en el patio, presentado por artistas:

Viernes 21/2  a las 20hs. Miguel Rep y la película” Juan Moreira.”

Viernes 28/2 a las 20hs: Cristian Aldana y ” Crónica de un niño sólo”

Las exposiciones se pueden ver  de Martes a Domingos y feriados de  15 a 21hs.  La dirección es:  Riobamba 985  y  el te. 4813-0301

Hay visitas guiadas los miércoles,  viernes y sábados a las 18hs.

 

 

 

 

 

 

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